Oude Griekse Kunst: Alle vormen en stijlen van kunst in het oude Griekenland

Oudgriekse kunst verwijst naar de kunst die in het oude Griekenland werd gemaakt tussen de 8e eeuw voor Christus en de 6e eeuw na Christus en staat bekend om zijn unieke stijlen en invloed op de latere westerse kunst.

Van geometrische, archaïsche en klassieke stijlen zijn enkele van de beroemdste voorbeelden van oude Griekse kunst het Parthenon, een tempel gewijd aan de godin Athene, het beeldhouwwerk van de Gevleugelde Overwinning van Samothrake, Venus de Milo en vele andere!

Aangezien het post-Myceense tijdperk van het oude Griekenland bijna duizend jaar beslaat en de grootste culturele en politieke bloei van Griekenland omvat, is het geen verrassing dat zelfs het overleven Griekse kunstvoorwerpen uit de oudheid vertegenwoordigen een duizelingwekkende reeks stijlen en technieken. En met de verschillende media die de oude Grieken tot hun beschikking hadden, van vaasschilderingen tot bronzen beelden, is de breedte van de Griekse kunst uit de oudheid in deze periode zelfs nog ontmoedigender.

Stijlen van Griekse kunst

Een deel van de Oudgriekse kunst in het Archeologisch Museum in Korinthe

Oude Griekse kunst was een evolutie van Myceense kunst, die overheerste van ongeveer 1550 v. Chr. tot ongeveer 1200 v. Chr. toen Troje viel. Na deze periode vervaagde de Myceense cultuur en de kenmerkende kunststijl stagneerde en begon te verdwijnen.

Dit zette Griekenland in een lome periode die bekend staat als de Griekse Donkere Middeleeuwen en die zo'n driehonderd jaar zou duren. Er zou weinig tot geen innovatie of echte creativiteit zijn tijdens het grootste deel van deze periode - alleen plichtmatige imitatie van reeds bestaande stijlen, als dat al het geval was - maar dat zou rond 1000 v. Chr. beginnen te veranderen toen de Griekse kunst ontstond en vier perioden doormaakte, elk met kenmerkende stijlen en technieken.

Geometrisch

Tijdens wat nu de Proto-Geometrische Periode wordt genoemd, werd de decoratie van aardewerk verfijnd, net als de kunst van het pottenbakken zelf. Pottenbakkers begonnen een snelle draaischijf te gebruiken, waardoor ze veel sneller grotere keramiek van hogere kwaliteit konden maken.

Er begonnen nieuwe vormen te ontstaan in het aardewerk terwijl bestaande vormen zoals de amfoor (een pot met smalle hals en twee handvatten) evolueerden naar een langere, slankere versie. De keramische beschildering begon in deze periode ook een nieuw leven te krijgen met nieuwe elementen - voornamelijk eenvoudige geometrische elementen zoals golvende lijnen en zwarte banden - en tegen 900 v. Chr. trok deze toenemende verfijning de regio officieel uit hetDonkere Middeleeuwen en in het eerste erkende tijdperk van de oude Griekse kunst - de Geometrische Periode.

De kunst uit deze periode wordt, zoals de naam al aangeeft, gedomineerd door geometrische vormen - ook in de afbeeldingen van mensen en dieren. Beeldhouwwerken uit dit tijdperk zijn meestal klein en sterk gestileerd, met figuren die vaak worden voorgesteld als verzamelingen vormen met weinig pogingen tot naturalisme.

Versieringen op aardewerk waren meestal in banden georganiseerd, met de belangrijkste elementen in het breedste gebied van de vaas. En in tegenstelling tot de Myceners, die tegen het einde vaak grote lege ruimtes in hun versieringen hadden gelaten, namen de Grieken een stijl aan die bekend staat als horror vacui waarbij het hele oppervlak van een keramisch stuk dicht werd versierd.

Begrafenisscènes

Attische laat geometrische krater

In deze periode zien we de opkomst van traditioneel functioneel keramiek dat werd gebruikt als grafmonumenten en votiefoffers - amforen voor vrouwen en een krater (ook een dubbelhandige kruik, maar dan met een wijde mond) voor mannen. Deze gedenkkeramiek kon behoorlijk groot zijn - wel een meter hoog - en werd zwaar versierd om de overledene te herdenken (ze hadden ook vaak een gat in de bodemvoor drainage, in tegenstelling tot een functioneel vat, om ze te onderscheiden van de functionele versies).

Een overgebleven krater van de Dipylon begraafplaats in Athene is hier een bijzonder goed voorbeeld van. De krater wordt de Dipylon Krater of, als alternatief, de Hirschfeld Krater genoemd en dateert uit ongeveer 740 v. Chr. Het lijkt het graf te markeren van een prominent lid van het leger, misschien een generaal of een andere leider.

De krater heeft geometrische banden bij de lip en de basis, en ook dunnere banden die twee horizontale scènes scheiden die bekend staan als registers. Vrijwel elke ruimte tussen de figuren is gevuld met een of ander geometrisch patroon of vorm.

Het bovenste register geeft de prothese Het lichaam ligt op de baar, omringd door rouwenden - hun hoofden eenvoudige cirkels, hun torso's omgekeerde driehoeken. Onder hen is op een tweede niveau de ekphora te zien, of begrafenisstoet met schilddragende soldaten en door paarden getrokken wagens die rond de omtrek marcheren.

Archaïsch

Model strijdwagen, Archaïsche periode, 750-600 v.Chr.

Toen Griekenland de 7e eeuw v. Chr. binnenging, stroomden invloeden uit het Nabije Oosten binnen vanuit Griekse kolonies en handelsposten aan de overkant van de Middellandse Zee in wat vandaag de dag bekend staat als de "Oriëntaliseringsperiode" (ruwweg 735 - 650 v. Chr.). Elementen zoals sfinxen en griffioenen begonnen in de Griekse kunst te verschijnen en artistieke afbeeldingen begonnen verder te gaan dan de simplistische geometrische vormen van de voorgaande eeuwen.begin van het tweede tijdperk van de Griekse kunst, de Archaïsche periode.

Het Fenicische alfabet was in de vorige eeuw naar Griekenland gemigreerd, waardoor werken zoals de Homerische epen in geschreven vorm verspreid konden worden. Zowel lyrische poëzie als historische verslagen begonnen in deze periode te verschijnen.

Het was ook een periode van sterke bevolkingsgroei waarin kleine gemeenschappen samensmolten tot de stedelijke centra die de stadstaat of polis zouden worden. Dit alles gaf niet alleen aanleiding tot een culturele bloei maar ook tot een nieuwe Griekse mentaliteit - zichzelf zien als deel van een burgergemeenschap.

Naturalisme

Kouros, een grafbeeld gevonden op het graf van Kroisos

Kunstenaars in deze periode gingen zich veel meer bezighouden met correcte verhoudingen en realistischere weergaven van menselijke figuren, en er is misschien geen betere weergave hiervan dan de kouros - een van de belangrijkste kunstvormen uit die tijd.

A kouros was een vrijstaande menselijke figuur, bijna altijd een jonge man (de vrouwelijke versie werd een kore ), meestal naakt en meestal levensgroot, zo niet groter. De figuur stond meestal met het linkerbeen naar voren alsof hij liep (hoewel de houding over het algemeen te stijf was om een gevoel van beweging over te brengen), en in veel gevallen lijken ze sterk op Egyptische en Mesopotamische beeldhouwwerken die duidelijk inspiratie boden voor de kouros .

Terwijl sommige van de gecatalogiseerde variaties of "groepen" van kouros hadden nog steeds een zekere mate van stilering, maar voor het grootste deel vertoonden ze aanzienlijk meer anatomische nauwkeurigheid, tot aan de definitie van specifieke spiergroepen toe. En allerlei soorten beeldhouwwerk uit dit tijdperk vertoonden gedetailleerde en herkenbare gelaatstrekken - vaak met een blije tevreden uitdrukking die nu een Archaïsche glimlach wordt genoemd.

De geboorte van zwartfigurig aardewerk

Aardewerk met zwarte figuren uit de oude stad Halieis, 520-350 v.Chr.

De kenmerkende zwarte-figuurtechniek in aardewerkdecoratie werd prominent in het Archaïsche tijdperk. Deze techniek, die voor het eerst verscheen in Korinthe, verspreidde zich snel naar andere stadstaten en hoewel deze techniek vrij gebruikelijk was in de Archaïsche periode, zijn er nog enkele voorbeelden van te vinden in de 2e eeuw v. Chr.

Bij deze techniek werden figuren en andere details op het keramische stuk geschilderd met een kleislurry die leek op die van het aardewerk zelf, maar met formuleveranderingen die ervoor zorgden dat de slurry zwart werd na het bakken. Extra details van rood en wit konden worden toegevoegd met verschillende gepigmenteerde slurries, waarna het aardewerk werd onderworpen aan een complex driebrandproces om het volgende te producerende afbeelding.

Een andere techniek, roodfigurig aardewerk, verscheen tegen het einde van het Archaïsche Tijdperk. De Sirenenvaas, een roodfigurige stamnos (een vat met een wijde hals voor het serveren van wijn), uit ongeveer 480 v. Chr. is een van de betere bewaard gebleven voorbeelden van deze techniek. De vaas verbeeldt de mythe van Odysseus en de ontmoeting van de bemanning met de sirenen, zoals verteld in Boek 12 van Homerus' Odyssee waarop Odysseus aan de mast is vastgesjord terwijl sirenes (afgebeeld als vogels met vrouwenkoppen) overvliegen.

Klassiek

Het Archaïsche Tijdperk duurde tot in de Vijfde Eeuw voor Christus en wordt officieel geacht te zijn geëindigd in 479 voor Christus met het einde van de Perzische Oorlogen. De Helleense Liga, die was gevormd om de ongelijksoortige stadstaten te verenigen tegen de Perzische invasie, stortte in na de nederlaag van de Perzen bij Plataea.

In de plaats daarvan kwam de Deliaanse Liga - geleid door Athene - die een groot deel van Griekenland verenigde. En ondanks de strijd van de Peloponnesische Oorlog tegen de rivaal onder leiding van Sparta, de Peloponnesische Liga, zou de Deliaanse Liga leiden tot de Klassieke en Hellenistische Perioden die een artistieke en culturele opgang inluidden die de wereld nog lang zou beïnvloeden.

Het beroemde Parthenon dateert uit deze periode. Het werd gebouwd in de tweede helft van de 5e eeuw v. Chr. om de overwinning van Griekenland op Perzië te vieren. En tijdens deze gouden eeuw van de Atheense cultuur werd de derde en meest sierlijke van de Griekse architectonische ordes, het Korinthische, geïntroduceerd. Deze ordes voegden zich bij de Dorische en Ionische ordes die hun oorsprong hadden in de Archaïsche periode.

De definitieve periode

Kritios Jongen

Griekse beeldhouwers in de Klassieke Periode begonnen waarde te hechten aan een meer realistische - hoewel nog steeds enigszins geïdealiseerde - menselijke vorm. De Archaïsche glimlach maakte plaats voor meer serieuze uitdrukkingen, omdat zowel verbeterde beeldhouwtechniek als een meer realistische hoofdvorm (in tegenstelling tot de meer blokachtige Archaïsche vorm) meer variatie mogelijk maakten.

De starre houding van de kouros maakte plaats voor een reeks meer natuurlijke poses, met een contrapposto Dit wordt weerspiegeld in een van de belangrijkste werken van de Griekse kunst - de Kritios Jongen, die dateert uit ongeveer 480 v. Chr. en het eerste bekende voorbeeld is van deze houding.

En de laat-klassieke periode bracht nog een innovatie - vrouwelijk naakt. Griekse kunstenaars hadden meestal mannelijke naakten afgebeeld, maar pas in de vierde eeuw voor Christus verscheen het eerste vrouwelijke naakt - Aphrodite van Knidos van Praxiteles.

De schilderkunst boekte ook grote vooruitgang in deze periode met de toevoeging van lineair perspectief, arceringen en andere nieuwe technieken. Hoewel de beste voorbeelden van de klassieke schilderkunst - de paneelschilderingen die Plinius opmerkte - verloren zijn gegaan in de geschiedenis, zijn er veel andere voorbeelden van de klassieke schilderkunst bewaard gebleven in fresco's.

De zwarte-figuur techniek in aardewerk was grotendeels verdrongen door de rode-figuur techniek in de Klassieke Periode. Een aanvullende techniek, de witte-grond techniek - waarbij aardewerk werd bedekt met een witte klei genaamd kaoliniet - maakte het schilderen met een groter scala aan kleuren mogelijk. Helaas leek deze techniek slechts een beperkte populariteit te genieten, en er waren maar weinig goede voorbeelden van.bestaan.

In de Klassieke Periode werden geen andere nieuwe technieken gecreëerd. De evolutie van het aardewerk was veeleer een stilistische. Het klassieke beschilderde aardewerk maakte steeds meer plaats voor aardewerk in bas-reliëf of in figurale vormen zoals menselijke of dierlijke vormen, zoals de "Vrouwenkop" vaas die rond 450 v. Chr. in Athene werd gemaakt.

Deze evolutie in de Griekse kunst gaf niet alleen vorm aan de Klassieke Periode, maar weerklonk door de eeuwen heen niet alleen als de belichaming van de Griekse artistieke stijl, maar ook als het fundament van de Westerse kunst als geheel.

Hellenistische

Buste van een onbekende Hellenistische heerser in marmer uit het Nationaal Archeologisch Museum in Athene

De Klassieke Periode duurde tot de regeerperiode van Alexander de Grote en eindigde officieel met zijn dood in 323 v. Chr. De daaropvolgende eeuwen markeerden de grootste bloei van Griekenland, met culturele en politieke expansie rond de Middellandse Zee, in het Nabije Oosten en tot in het huidige India, en duurde tot ongeveer 31 v. Chr. toen Griekenland overschaduwd werd door de opkomst van het Romeinse Rijk.

Dit was de Hellenistische Periode, toen nieuwe koninkrijken, sterk beïnvloed door de Griekse cultuur, ontstonden over de hele linie van Alexanders veroveringen en het Griekse dialect dat in Athene werd gesproken - Koine Grieks - de gemeenschappelijke taal werd over de hele bekende wereld. En hoewel de kunst uit die periode niet dezelfde eerbied kreeg als die uit het Klassieke Tijdperk, waren er toch duidelijke en belangrijke vorderingen in stijlen techniek.

Na de beschilderde keramiek en het keramiek met figuurtjes uit de Klassieke Oudheid evolueerde het aardewerk naar eenvoud. Het aardewerk met rode figuurtjes uit vroegere tijdperken was uitgestorven en vervangen door zwart aardewerk met een glanzende, bijna gelakte afwerking. Een bruingekleurde slip kon samen met witte verf op dergelijk aardewerk worden aangebracht om kransen of andere basiselementen te creëren.

Versieringen in reliëf kwamen ook veel voor en aardewerk werd steeds meer in vormen gegoten. En aardewerk in het algemeen werd uniformer en meer afgestemd op de vormen van metaalwerk, dat steeds meer beschikbaar kwam.

En hoewel weinig Griekse schilderkunst dit tijdperk heeft overleefd, geven de voorbeelden die we wel hebben een idee van stijl en techniek. Hellenistische schilders namen steeds vaker landschappen op, terwijl omgevingsdetails eerder vaak waren weggelaten of nauwelijks werden gesuggereerd.

Trompe-l'œil realisme, waarbij de illusie van driedimensionale ruimte wordt gecreëerd, werd een kenmerk van de Griekse schilderkunst, net als het gebruik van licht en schaduw. De portretten van de Fayummies, waarvan de oudste dateren uit de Eerste Eeuw voor Christus, zijn enkele van de best bewaard gebleven voorbeelden van dit verfijnde realisme dat ontstond in de hellenistische schilderkunst.

Kunstenaars als Sosos van Pergamon, van wie gezegd werd dat zijn mozaïek van duiven die uit een schaal drinken zo overtuigend was dat echte duiven erheen vlogen in een poging zich bij de afgebeelde duiven te voegen, waren in staat om verbazingwekkende niveaus van detail en realisme te bereiken in wat in eerdere tijden een veel onhandiger medium was geweest.

Het grote tijdperk van de beeldhouwkunst

Venus van Milo

Maar het was in de beeldhouwkunst dat de Hellenistische Periode schitterde. De contrapposto De houding bleef, maar er verscheen een veel grotere variëteit aan natuurlijkere poses. Spieren, die in het klassieke tijdperk nog stagneerden, brachten nu met succes beweging en spanning over. En gezichtsdetails en -uitdrukkingen werden ook veel gedetailleerder en gevarieerder.

De idealisering van de Klassieke Era maakte plaats voor meer realistische afbeeldingen van mensen van alle leeftijden - en, in een meer kosmopolitische samenleving gecreëerd door de veroveringen van Alexander - etniciteiten. Het lichaam werd nu getoond zoals het was, niet zoals de kunstenaar dacht dat het zou moeten zijn - en het werd getoond in rijk detail omdat beeldhouwwerken steeds meer, nauwgezet gedetailleerd en sierlijk werden.

Dit wordt geïllustreerd in een van de meest gevierde beelden uit die periode, de Gevleugelde Overwinning van Samothraki, en de Faun van Barberini - die beide dateren uit ergens in de 2e eeuw v. Chr. En misschien wel het beroemdste van alle Griekse beelden dateert uit deze periode - de Venus van Milo (hoewel het de Romeinse naam gebruikt, beeldt het haar Griekse tegenhanger, Aphrodite, af), gemaakt ergens tussen 150 en125 BCE.

Waar eerdere werken meestal één onderwerp hadden, maakten kunstenaars nu complexe composities met meerdere onderwerpen, zoals de Farnese Stier van Apollonius van Tralles (helaas alleen bewaard gebleven in de vorm van een Romeinse kopie), of Laocoön en zijn zonen (meestal toegeschreven aan Agesander van Rhodos), en - in tegenstelling tot de focus op harmonie in de eerdere tijdperken - hellenistische beeldhouwkunst.de nadruk leggen op één onderwerp of focuspunt in plaats van op andere.